Život umělce

Okamžik s Thomasem Schallerem

Okamžik s Thomasem Schallerem

Seznamte se s Master of American Watercolor - Thomasem Schallerem

Vychutnejte si tento exkluzivní rozhovor s americkým mistrem pro akvarel, Thomasem Schallerem, níže a dozvíte se více o jeho obrazech, inspiracích, procesu a dalších.

Přijďte studovat akvarel s Thomasem v proslulé a krásné italské krajině letos v září Ústup do Toskánska. Rezervujte si své místo hned teď!

Jak jste se zajímali o akvarel?

Vyrůstal jsem ve venkovském Ohiu, moje jediná expozice širšímu světu obecně, a zejména umění, byla prostřednictvím knih. Moje matka a babička měli docela sbírku uměleckých knih. Jako dítě jsem se na ně díval donekonečna; ztrácí se v příbězích, vizích a představách umělců na těchto stránkách.

Vždy jsem rád kreslil, abych se ztratil ve imaginárních světech svého vlastního stvoření, daleko za to, co jsem viděl jako svůj vlastní poněkud omezený. A život umělce mi připadal nejlepší možný. A to se stalo pružinou pro všechny mé sny. Moje logika byla taková, že kdybych nikdy neviděl všechna úžasná místa, o kterých jsem snil, mohl bych alespoň kreslit a malovat své vlastní - a možná ještě lepší - právě tam ve své skicáři.

A tak právě v tomto duchu zasněná, tekutá povaha mnoha vodovek, které jsem viděl v těchto raných dobách, tak rezonovala. Hravé, mocně imaginativní dílo Johna Marina a Charlese Burchfielda opravdu zasáhlo domov. A jasná jasnost a upřímná emotivita akvarelu Edwarda Hoppera mě ohromí i nyní, o mnoho let později.

Kdo byli vodci, kteří vás inspirovali?

Kromě výše zmíněných vzpomínám, že jsem šokován kolem 10 let, a to obrázky vodních mořských scenérií od Turnera. Byl jsem příliš mladý na to, abych to opravdu pochopil, ale něco v nesmírně jasném a emocionálním chaosu v těch inspirovaných pracích mě přitáhlo.

Byl to právě nedostatek detailů - nedostatek „odpovědí“, které mě přitahovaly mnohem více než vysoce specifické nebo členěné mořské krajiny vytvořené ostatními. Zdá se, že Turner téměř vyzve diváka, aby vyřešil hádanku nebo odhalil záhadu ve svých dílech.

Médium akvarelu se zdálo ideální pro tento druh vyprávění příběhů rozpuštěného světlem, atmosférou a emocemi. A stále to tak je.

Svou práci jste označili jako „interpretovaný realismus“. Můžeš to vysvětlit?

Vždycky radím svým skupinám (a sobě samým), aby malovaly to, co vidíme, tolik, jak to, co vidíme, nás nutí cítit. Nebo jinými slovy, mohu říci: „Pokuste se malovat svou skutečnou inspiraci - ne to, co vás inspirovalo.“

A nemyslím to tak, aby to znělo jako záhadné nebo tak domýšlivé, jak by to mohlo být. Myslím tím, že jakmile začneme malovat, jediný svět, ve kterém žijeme, je na stojanu před námi - nikde jinde.

Ať už nás to nějak inspirovalo jakýmkoli pohledem, scénou nebo nápadem, je to právě obraz, který je v dlouhodobém horizontu důležitý. Podle mého názoru je úkolem umělce přinést do našeho obrazu jedinečný emoční pohled a vizi; interpretovat to, co vidíme, nejenom pokusit se vyrobit faksimile.

Co hledáte - nebo co vás nejvíce přitahuje - v potenciálních předmětech?

Umělci vždycky věřím - maluji, i když nejsme na stojanu. Když se pohybuji světem, neustále si všímám působivých vzorů tmy a světla. A to jsou to, co mě inspiruje mnohem víc než skutečné věci nebo scény.

Tolik mé práce je informováno a formováno světelnými vzory. Ale to, co mě opravdu inspiruje, jsou širší myšlenky spojení - dialogu a napětí - mezi protichůdnými silami: tmavé a světlé, stínové a stínové, teplé a chladné, ztracené a nalezené atd. Je to v kontrastu a příležitostném můstku rozlišení mezi tyto protichůdné síly, které všechny otázky, které si přeji, aby moje umění klást lze nalézt.

Načrtnete místo, pracujete s fotografiemi nebo obojí?

Nikdy jsem nikam bez skicáře. Takže pokud nemůžu namalovat to, co bych si mohl přát na místě a v tuto chvíli, budu vždy dělat rychlou, drsnou, malou skicu všeho, co mě inspirovalo. Tyto náčrtky jsou mnohem víc než fotografie, neocenitelné nástroje, protože zaznamenávají mé dojmy, mé reakce, moje pocity ohledně možného obrazu.

Takže, pokud se o několik dní či měsíců později rozhodnu namalovat něco, co mě inspirovalo, tyto dojmy v mém skicáři mě mohou vzít zpátky na to místo, v ten okamžik, a budu si pamatovat, jak jsem se cítil a proč jsem chtěl malovat to na prvním místě. Často je doplňuji i fotografiemi, ale snažím se malovat více z mých skic než z fotografií, protože skici obsahují více skutečných uměleckých děl.

Vaše obrazy jsou známé pro svůj zvukový design a hodnotové kontrasty. Děláte nákresy miniatur tužky nebo hodnotové studie?

Ano, téměř vždy. Tyto náčrtky nejsou vždy naprosto nezbytné, ale přesto je téměř vždy dělám.

Pomáhají ukotvit v mém vědomí základy potenciálního obrazu - nejlepší formát, hodnoty, organizaci a složení tmavých a světlých tvarů. Také mi říkají, jaké prvky jsou podstatné a jaké detaily lze upravit, aby můj obraz mohl co nejúčinněji vyprávět svůj příběh, aniž by byly zahrnuty cokoli zbytečné.

Je také mým cílem, když jsem maluje, myslet méně a cítit se více. Takže tyto náčrty jsou pro mě skvělým způsobem, jak předem zbavit veškeré své myšlení z cesty. Pak mohu malovat z emotivnějšího, intuitivnějšího přístupu, než bych mohl jinak.

Mnoho vašich obrazů obsahuje architektonické předměty zahrnující perspektivu. Děláte před začátkem hodně předběžného kreslení?

Ne. Na finální ploše dělám vše zdarma bez speciálních nástrojů nebo předběžných perspektivních konstrukcí. Ale spravedlivě jsem byl více než 20 let komerčním architektonickým vodářem, takže se mi kresba v perspektivě stala pro mě druhou přirozeností.

Vaše obrazy jsou známé svou výraznou barvou a pocitem atmosféry. Děláte předběžné barevné skici?

Myslím na sebe jako na více hodnotného malíře. Musím se toho ještě hodně naučit - dobře všechno - ale určitě o barvě. Je to pro mě důležité, ale méně než úspěšné složení temnot a světel. Žádná barva neuloží obraz, který trpí řadou hodnot postrádajících dynamiku nebo sílu.

Před lety byl jedním z mých prvních učitelů velký Jeanne Dobie, který zůstává jedním z našich největších koloristů. I nadále se učím z jejích učení. Od ní jsem se naučil sílu doplňujících tónů a od té doby se tomuto tématu přizpůsobuji a rozšiřuji. Pracuji téměř výhradně v doplňujících se zařízeních.

Atmosféra, uspokojující napětí a elektřina ve vodovce, kterého lze dosáhnout, když jedna barva vnikne do jejího doplňku, je vzrušující - a jako nic jiného, ​​co lze v jiném médiu udělat tak úspěšně.

Někdy udělám předběžnou studii barev, ale obvykle ne. Mám však vždy na paměti základní barevný plán, základnu dvou doplňujících tónů, které nastaví tón obrazu dopředu. A nechal jsem obraz, aby se odtamtud vyvíjel.

Zdá se, že se na ně spoléhají některé barvy - jako staří přátelé?

Myslím, že ano, ale je přesnější říci, že existují specifické kombinace barev, na které se důsledně spoléhám. Jsou to téměř vždy doplňky, teplé a chladné. Cobalt Blue je tedy základ mnoha palet, včetně mé vlastní. Ale nikdy nemyslím na chladnou kobaltovou modř bez jeho teplého doplňku - pro mě nejčastěji světle červená nebo kadmium oranžová.

Totéž platí pro hlubší rejstřík pro Ultramarine Blue a Burnt Sienna; také fialky a žluté, červené a zelené různých odstínů. V poslední době jsem experimentoval s malbami, ve kterých používám především pouze jednu barvu, případně odstíny modré nebo fialové. Je pak zajímavou výzvou a vzrušující sledovat sílu, kterou může mít jedna malá tečka oranžové barvy ve všech modrých obrazech, nebo malá část žluté ve všech fialových.

Existují nějaké barvy, kterým se z jakýchkoli důvodů snažíte vyhnout, osobní nebo technické?

Hodně preferuji pigmenty, které jsou primárně založeny na sedimentech. Protože používám docela strukturované papíry, mají tyto pigmenty tendenci být trochu „těžší“, když jsou ve vodném roztoku, a tak klesnou na dno praní - usazují se do vrstev papíru a tečou přes vrcholy. Výsledkem jsou obrazy, které mají průsvitný, strukturovaný třpyt, který může být tak charakteristický pro akvarel.

Ze stejného důvodu mám sklon vyhýbat se více pigmentům na bázi skvrn. Jednoduše obarví povrch papíru a pro mě může vyústit v práci, která se zdá být více plochá - méně živá.

Jaký typ papíru dáváte přednost?

V rozumném smyslu, čím více texturoval, tím lépe (z výše uvedených důvodů). Takže nejčastěji používám Saunders Waterford nebo Fabriano Artistico s drsným povrchem. Obvykle se vyhýbám silnějším papírům, protože mají sklon absorbovat příliš mnoho pigmentu a mohou narovnat vzhled díla, jak zasychá. Takže váha, kterou obvykle dávám přednost, je 140 liber (300 g / m2).

Oblouky mají krásnou strukturu, ale mají sklon k velké velikosti. Přestože je skvělý pro tvrdší hrany, není vždy tak dobrý pro efekty mokré do mokra. U měkčích papírů, jako je Saunders, se roztok mokré barvy / vody doslova promíchá ve vláknech samotného papíru.

Připravujete obvykle svůj papír - navlhčením, namontováním atd.?

Pokud pracuji ve větším měřítku - v plné velikosti a nahoře - obvykle sešívám papír na nosítka, abych se vyhnul problémům se vzpřímením. Pokud používám materiál o velké velikosti, namočím jej a natáhnu také před sešíváním.

Ale pro menší práce - velikost poloviny listu nebo tak podobně - obvykle stačí pouze lepení papíru na desku. Když je docela mokrý, může se trochu vzpřít, ale zcela vyschne.

Můžete hned říct, kdy věci nefungují přímo v obraze?

To je skvělá otázka, ale bez jasné odpovědi. Řekl bych, že i když si myslím, že to můžu říct, často se mýlím. Ve skutečnosti se mýlím, když se ptám na tuto otázku.

Často se může stát, že máme v hlavách předem představu o tom, jak věříme, že malba „by měla jít“ nebo jak by měla „vypadat“. Ale někde po cestě to trvá doleva a my reagujeme špatně. To je špatná odpověď. Pustit tyto myšlenky na začátek a naučit se poslouchat svůj obraz, jak se vyvíjí, je ten pravý.

Obraz často ví, co chce nebo potřebuje víc než vy. Neustále se učím, že je důležité mít celkový plán, ale také ochotu pustit se z tohoto plánu, pokud mi obraz říká, že chce jít jiným směrem.

Akvarel je médium, které nemůže a nemělo by být nikdy úplně ovládáno nebo „zvládnuto“. Když se ztratím v procesu malování - když vypnu svou kritickou mysl a budu jen malovat intuicí a pocitem - vždy přijdu s úspěšnějším obrazem, než bych chtěl, kdybych se pokusil ohnout a přinutit médium do nějakého předsudku box. Výsledný obraz se může velmi lišit od toho, co jsem si zpočátku představoval. Ale bude to téměř vždy lepší.

Jaká je nejlepší rada, kterou můžete nabídnout mladému ašpirujícímu akvarelu?

Moje nejlepší rada pro většinu kohokoli na jakémkoli tématu by bylo nepřijmout příliš mnoho rad. Opravdu to myslím, a ne ironicky. Ano, samozřejmě, měli bychom studovat od mistrů; měli bychom se od nich poučit a inspirovat se. Mohou nám otevřít oči a usnadnit nám cestu.

Ale nakonec, abychom se stali dobrými v čemkoli, musíme být všichni ochotni dát čas a úsilí, abychom se poznali a vytvořili své vlastní cesty. Pouze v tom můžeme kdy doufat, že najdeme svůj vlastní hlas, seznámíme se s našimi vlastními vášněmi a zdroji inspirace.

A pokud je to možné, měli bychom se snažit příliš srovnávat sebe s nikým jiným. To se může stát druhem jedu. Je to druh nezdravé konkurenceschopnosti a může podpořit jak zbytečné pochybnosti o sobě, tak zbytečné sebevědomí - obojí nebezpečné nástrahy.

Je absurdní věřit, že bychom někdy mohli plně ovládnout akvarel. Ale měli bychom malovat, jako bychom věřili. Přál bych si, abychom si všichni zamilovali proces usilování, učení a zlepšování - malování malbou - jako radostné celoživotní pronásledování.

Koneckonců, neexistuje žádný „správný“ způsob, jak malovat akvarely nebo dělat cokoli jiného. Existuje jen způsob, který vám nejlépe vyhovuje, pouze způsob, jak lze vytvořit svůj vlastní jedinečný hlas a slyšet, jak vypráví příběhy, které jste sami mohli znát.

Více o Thomasovi Schallerovi

Po dvacetileté kariéře v New Yorku jako architekt a architekt, Thomas Schaller nyní sídlí v LA, kde na plný úvazek pracuje jako výtvarný malíř v akvarelu. Jako podpisový člen AWS a NWWS byl Tom nedávno také zvolen za uměleckého člena kalifornského uměleckého klubu a klubu Salmagundi v New Yorku.

Schallerova práce byla přijata na mnoha prestižních výstavách po celém světě - včetně American Masters Exhibition, NYC; Americká společnost pro akvarel; Národní společnost pro akvarely; výstava zlatých medailí Kalifornského uměleckého klubu; Shenzhen Watercolor Biennial, China; Zhujiajiao International Watercolor Biennial, China; Výstava Masters of Watercolor, St. Petersberg; Světová výstava Watermedia, Thajsko; Acquarello v Fabriano, Itálie; Eau en Couleurs, Belgie; Salon de L'Aquarelle du Haillan, Francie.

Příklady jeho práce byly nedávno přidány do stálých sbírek Muzea architektonické kresby Tchobanovy nadace v Berlíně a Pacific Arts Foundation v Newport Beach. Tom napsal dvě knihy; nejprodávanější a vítěz ceny AIA,Architektura v akvarel aUmění architektonické kresby. V současné době pracuje na své třetí knize a nedávno vydal video a DVD série: Zachycení světla v akvarelu: Malování postavy, která je nyní k dispozici.

Více o Schallerovi a jeho umění se můžete dozvědět na jeho webových stránkách.


Podívejte se na video: THOMAS SCHALLER Watercolor Painting Review. Painting Masters 5 (Prosinec 2021).