Profily umělců

Současný umělec akvarelů John Salminen sdílí tvrdou moudrost

Současný umělec akvarelů John Salminen sdílí tvrdou moudrost

Exkluzivní rozhovor s Master of Watercolor: John Salminen

Pokaždé, když se podívám na práci Johna Salminena, prostě jsem šťastný. Strávil jsem několik okamžiků zkoumáním jednotlivých obrazů - přijímáním barev, kompozic, příběhů, forem - a touto vizuální absorpcí se jen bujím duchem. Z tohoto důvodu jsem mimo jiné nadšený, že John Salminen je porotcem10. výroční mezinárodní výstava Watermedia.

Jeho odborné oko a četná umělecká vyznamenání z něj činí ideální porotce této soutěže. Nejen, že učí a účastní se malířských akcí po celém světě, je také signatářem člena American Watercolor Society, National Watercolor Society a Transparent Watercolor Society of America.

Salminen získal více než 220 ocenění na národních a mezinárodních výstavách a byl pozvaným umělcem na mnoha mezinárodních akvaristických výstavách v Číně, Singapuru, Tchaj-wanu, Thajsku, Rusku, Turecku, Mexiku, Itálii, Belgii a Austrálii.

Přečtěte si vše o John Salminen, uznávaný porotce Watermedia Showcase, v tomto exkluzivním rozhovoru níže. Užívat si!

Jak jste se zajímali o akvarel?

Můj zájem o akvarel začal na začátku 80. let, kdy jsem měl možnost studovat u Cheng Khee Chee. Vyučoval doplňkové kurzy na kampusu University of Minnesota Duluth.

Spolu s učitelem umění jsme se zaregistrovali na několik tříd, které se týkaly dvouletého časového rámce. Nebyla to moje první zkušenost s akvarelem, ale byl to podnět potřebný pro to, abych se vážně zavázal k médiu.

Naučil jsem se mnoho užitečných technik, ale co je nejdůležitější, zjistil jsem, že přístup založený na designu je pro akvarel zajímavý. Stále více jsem si uvědomoval důležitost solidně vyvinuté nadace založené na designu.

Čím více jsem maloval, tím více jsem si uvědomil, kolik se musím naučit. Cítím, že stále buduji na informacích a dovednostech, které jsem během těchto lekcí získal.

Kdo byli akvarelisté, kteří vás nejvíce inspirovali?

Začal jsem jako abstraktní expresionistický malíř. Koncepce a přístupy DeKooning a Franz Kline jsou v mé mysli stále ústřední, když zahajuji nový obraz.

Když jsem začal reprezentativně malovat akvarelem, pan Cheng Khee Chee měl silný vliv. A zpočátku jsem chtěl malovat stejně jako on. Současně jsem se učil od kalifornských malířů - velkých rychlých a uvolněných malířů na plein, kteří řídili médium dopředu.

Robert E. Wood a Morris Shubin mi poskytli další způsob, jak začlenit design do mých kusů. Frank Webb na toto téma výmluvně napsal a pečlivě jsem studoval jeho přístup.

Jak jsem se stal více kvalifikovaný, začal jsem převzít svůj vlastní styl. Moje vlivy byly jemněji vyladěny.

I když se nesnažím napodobovat práci nebo styl jiných malířů, neustále se inspiruji mnoha umělci. Dean Mitchell je současné využívání bohatých šedých, zářících pasáží Josepha Zbukviče a středních hodnot a schopnost Mary Whyte zaujmout diváka na emocionální úrovni jsou pro mě všechny zajímavé.

Když učím, posuzuji, navštěvuji výstavy a dívám se na práci v knihách nebo napříč sociálními médii, vidím kousky a kousky obrazů, které mě přimějí přemýšlet o tom, jak by konkrétní efekt nebo dokonce typ tahu štětcem mohl ovlivnit mou vlastní práci. Všechno, co vidím, má potenciál změnit mé myšlení a jemně ovlivnit mou práci. Budu vždy studentem a pečlivé pozorování prací malířů, které obdivuji, mi pomáhá na cestě ke zlepšení.

Co hledáte - co vás nejvíce přitahuje - při hledání potenciálního předmětu?

Pracuji z fotografií, které pořizuji na místě, pomocí hledáčku fotoaparátu jako svého skicáře. Hledám změny hodnot a zajímavou kompozici, když určím, kdy kliknu na závěrku. Tyto stejné prvky mi pomáhají určit, které z mých mnoha fotografických odkazů si vybrat pro obraz.

Jakmile vyberu objekt se silným složením, stane se mým úkolem naplnit jej dalším obsahem, který bude mluvit s diváky. Za tímto účelem často přidávám čísla a mění náladu a atmosféru úpravou hodnotové struktury tak, aby dodávala smysl pro čas a místo.

Některé předměty se „příběhu“ hodí snadněji než jiné. To je část výzvy při vytváření malby, se kterou se lidé mohou týkat.

Mnoho z vašich obrazů obsahuje známá místa. Myslíte si, že vám to pomůže při vytváření nálady nebo spojení s divákem?

Používáním předmětů, s nimiž se diváci mohou týkat, vás vyzývám, aby s prací spolupracovali. Jedním z mých cílů je ukázat divákovi trochu odlišný pohled na známou ikonu.

Vaše práce je známá svým silným designem složitých témat. Děláte malé předběžné práce nebo hodnotné studie?

Po mnoho let jsem plnil skicář po skicáři podrobnými výkresy provedenými na místě. Poté jsem se vrátil do svého ateliéru a redigoval náčrtky s ohledem na design, složení a hodnotu.

Druhá kresba se stala mým plánem pro obraz, zatímco moje skica na místě poskytla přesvědčivé detaily. Po tolik praktikách s tímto přístupem založeným na designu, který vytváří vzory hodnoty, dynamická uspořádání tvaru a zajímavé kompozice, nyní cítím, že jsem tyto zásady internalizoval.

Dokážu identifikovat silný předmět jak při fotografování, tak při skenování hledáním obrazových referencí. Při rozhovoru však stále pracuji s doodle. Když mám trochu času navíc, ráda ho trávím abstraktním uspořádáním tmavých, středních a světelných hodnot - kompozice na nejpodstatnější úrovni. Jak uznávaní hudebníci pokračují v praktikování měřítka, i nadále skládám.

Jakmile je stanoveno složení a směr malby, postupujete bez mnohem více přípravných prací?

Jakmile uvidím, co chci malovat, dělám rozsáhlou kresbu, přeskupování a přepracování, stejně jako v mém skicáři. Hodnota solidní kresby spočívá v tom, že mě během procesu malování uvolňuje, abych se soustředil na náladu a pocit.

Protože moje obrazy jsou často dost velké, kresba mě udržuje v kontaktu s mým původním záměrem. A čas strávený vytvořením kresby se získá znovu během procesu malování.

Zjistil jsem, že je pro mě důležité malovat často a pečlivě a kriticky se na něj dívat. Obraz často rozvíjí svůj vlastní hlas a někdy navrhuje nový směr.

Co nám můžete říci o účinném používání neutrálů a omezené barvě? Používáte tmavé hodnoty a hluboké stíny tak dobře. Používáte někdy černou - i když jen pro další punč?

Moje použití neutralizované barvy je založeno na konceptu inscenace. Vytvořením pečlivě organizovaného obrazu využívajícího doplňkové směsi a bohatou směsici šedých odstínů mohu použít malé množství čisté, jasné barvy k vytvoření dramatického přízvuku.

Používám také černou lampu jako dramatický přízvuk a čistě černou umístím do části obrazu, která je již věnována velmi tmavě smíšeným černým (například alizarínový karmínový a ftalozelený nebo ultramarínový modř a spálená tráva). Žárovka černá dává svítivost okolním tmavým průchodům a poskytuje další snímek potřebný k vytvoření tmavého přízvuku.

Používáte odkaz na fotografie pro své studiové obrazy. Zažili jste při práci z fotografií nějaké skutečné nedostatky?

Při práci s fotografiemi existuje potenciální riziko. Umělci někdy jednoduše zkopírují to, co fotoaparát zaznamenal, nebo pracují z fotografií pořízených jinými lidmi. To by mohlo omezit schopnosti umělců vyjádřit své individuální tvůrčí vize.

Fotografoval jsem mnoho let a věřím, že estetické standardy, podle kterých posuzujeme fotografii, jsou odlišné od těch, které používáme k posuzování malby. Jednoduše zvětšit fotografii pomocí malování vypadá hloupě. Fotokopie to dokáže rychlejší a levnější.

Mým úkolem při používání referencí na fotografii je vytvořit dílo, které se opírá o malířské zacházení s médiem a využívá mých možností ke zlepšení a zlepšení reality scény. Často mám emocionální reakci na své předměty. To, co vidím, je zabarveno součtem mých vlastních zkušeností.

Například občas byl můj pohled na scénu ovlivněn krásnými popisnými pasážemi autorů, jako je Saul Bellows. Nebo si pamatuji, jak jsem se cítil, když jsem stál na místě a díval se skrz hledáček. Vzpomínám si na rachot zvýšeného vlaku nebo vůni pražení kešu od nedalekého prodejce. Všechny tyto faktory přispívají k mému obrazu prvky, které nebyly zahrnuty do původního referenčního odkazu na fotografii.

Fotografie věrně zaznamenává detaily. Potřebuji upřednostnit tento detail, interpretovat ho a snad ho vylepšit. Tyto věci v kombinaci s kvalitou značky na stránce odlišují obraz od fotografie.

Občas pracujete s několika různými fotografiemi stejného předmětu?

Často kombinuji obrázky, abych vylepšil kompozici nebo vylepšil vyprávěný příběh.

Jaký papír obvykle preferujete - značka, lisování za studena, lisování za horka atd.?

Nejlepší papír pro můj proces malování je d'Arches 140 lb za ​​studena, v celých listech, ve velikosti slonů nebo větších kusech vyřezaných z rolí. Plně to slouží mým potřebám.

Připravujete papír jakýmkoli způsobem - navlhčete jej, protáhnete jej atd.?

Jednoduše lepím papír na kousek pěnového jádra a pásku přivedu asi 1/2 palce od okraje papíru. Používám pěnové jádro, které jsem předřezal do stejných vnějších rozměrů své rohože a kusu plexiskla, což mi umožňuje snadno sklouznout obraz za rohož.

Plexisklo obnovuje lesk na povrchu. Tento jednoduchý systém podporuje časté období reflexe, jak se obraz vynoří.

Máte nějaké barvy, na které se spoléháte a jiné se pokusíte z nějakého důvodu vyhnout?

Moje oblíbené barvy jsou velmi tradiční. Moje paleta se za mnoho let moc nezměnila. Alizarin Crimson a Pthalo Green sedí vedle sebe, stejně jako Ultramarine Blue, Burnt Sienna a Burnt Umber. Toto jsou kombinace mých pracovních barev mých neutrálních barevných schémat.

Další kombinaci, kterou mám rád, jsou Cerulean Blue a Cadmium Orange, které vytvářejí některé bohaté, těžko definovatelné barvy. Můj jediný nedávný přírůstek je oblíbený prakticky pro každého: Quin Gold. Používám to však opatrně, protože chce být hvězdou show, ať už to chci nebo ne.

Moje oblíbené směsi se objevují po několika dnech malování, když se kaše uprostřed myté palety stává zajímavou.

Osobně se vyhýbám všem žlutým zeleným. Jediná zelená na mé paletě je ftalová, protože je v pohodě a dobře se mísí s jinými barvami.

Vaše pleinské letecké obrazy představují nádherný, ale úplně jiný styl. Přispěli k vývoji vašeho stylu studiové malby?

Dokončení mých ateliérových obrazů trvá 40–60 hodin. Protože se mi obraz malby líbí, není to pro mě problém. Začal jsem být ponořen do malých abstrakcí, které se objevují, když aplikuji vnitřní detaily, které bych mohl navždy malovat.

Nedávno jsem však byl pozván, abych se zúčastnil leteckých výletů v Číně a jinde. Můj studiový styl by nefungoval, a tak jsem si upravil své kořeny - kalifornský rychlý a uvolněný styl. Je to pro mě pohodlné a dobře se hodí pro základní koncepční koncepty, které jsem během let vyvinul.

Baví mě, že mohu dokončit obraz za hodinu nebo dvě a výsledky mě stále více potěšily. Myslím si, že tyto zkušenosti posilují moji práci ve studiu, protože mě v kontaktu s úžasným světelným aspektem rychle aplikovaných mycích prostředků - něčeho, co se ve studiu někdy ztratí.

Když jsem se svým fotoaparátem na ulicích, vytvářím obrázky ve stejném duchu, jako když maľuji venku a zažívám scénu z první ruky. Není tolik odpojení, jak by se mohlo zdát. Největší rozdíl je v tom, že když maloval jsem vzduch, používám téměř výhradně čtvercové štětce místo svého oblíbeného ve studiu, špičatého štětce č. 4.

Jaká je nejlepší rada, kterou můžete nabídnout mladému ašpirujícímu akvarelu?

Tuto otázku hodně slyším: „Co mohu udělat, abych byl lepším malířem?“ Ať už se na to zeptá začátečník nebo zkušený umělec doufající ve zlepšení, odpověď je vždy stejná - PAINT VÍCE! Čím více budeme malovat, tím lépe se staneme a čím více si to užíváme.

Navrhoval bych také usilovat o to, aby se mladí akvarely snažili najít místo, kde by bylo možné malovat tam, kde není nutné rozebírat a znovu nastavit pro každou malířskou relaci. Není důležité mít fantastické studio - jen místo, kde mohou být barvy a papír vynechány a nenarušeny.

Umělci, kteří čekají, až promluví múza, mohou někdy čekat dlouho. Tuto dobu lze strávit cvičením, honováním malířských dovedností. Jakmile bude učiněn seriózní závazek a bude upřednostněno nalezení času na pravidelné malování, zbytek bude následovat. Stejně jako všechno ostatní, co se snažíme ovládat v našich životech, je praxe i odpověď.

Je také důležité nedovolit, aby neúspěchy nebo odmítnutí byly rozrušující nebo frustrující. Měřím svůj pokrok spíše v pětiletých krocích než z jednoho malby na další.

Stejný obraz neukazuji na více než jedné soutěžní výstavě a navrhl bych, aby i další malíři udělali to samé. Podle mého opnionu budou diváci méně zajímat o malbu podruhé, když ji uvidí, a ještě méně potřetí.

Namísto spoléhání se na jeden velmi úspěšný obraz bych povzbudil malíře, aby se vrátili do studia a snažili se vytvořit ještě lepší. Jak osobní růst umělce, tak rozvoj sledovanosti přijde k těm umělcům, kteří se zavázali k pokroku směrem k cíli, o který se všichni dělíme - děláme maximum.

Článek příspěvky Paul Sullivan; všechny fotky vyňaté z knihy Johna Salminena, John Salminen, mistr městské krajiny, které si můžete prohlédnout zde.

Předveďte své Watermedia Talenty

Nyní, když jste se dozvěděli více o životě, umění a radách Johna Salminena, proč nevyzkoušet své dovednosti?

Přihlaste se do 10. ročníku Mezinárodní přehlídky Watermedia, abyste získali šanci vyhrát jednu z několika neuvěřitelných cen.Zjistěte více o soutěži, nabídkách cen a jak se sem přihlásit. Hodně štěstí, umělci!


Podívejte se na video: Evaluating and Adjusting a Cityscape with Cheng-Khee Chee (Prosinec 2021).